Il 29 aprile è arrivato nelle sale italiane il sequel de Il Diavolo Veste Prada, il film del 2006 diventato negli anni un vero cult, non solo per gli appassionati di moda ma che ci ricorda di quanto lo stile sia importante, anche in ambito professionale.
L’attesa era alta e l’hype non ha deluso.
Lo dimostrano non solo gli incassi del primo weekend, che in Italia si aggirano intorno ai 10 milioni di euro, ma anche (e soprattutto) l’impatto sui social: tra contenuti dedicati, audio in trend direttamente dalla soundtrack e il fenomeno sempre più diffuso di vestirsi a tema per andare al cinema.
Perché, al di là del successo, è proprio nello stile dei personaggi che entrambi i film esprimono il suo linguaggio più interessante.
Non è un film sulla moda (e non lo è mai stato)
Quando nel 2006 Il Diavolo Veste Prada arrivò nelle sale, molti lo liquidarono come una commedia leggera su tacchi e borse firmate. Vent’anni dopo, con l’uscita del sequel, è il momento di dirlo chiaramente: non è mai stato un film sulla moda. È un film su chi siamo, chi vogliamo diventare e quanto siamo disposti a sacrificare nel percorso (ne avevamo parlato anche qui).
La moda, in questa saga, è il linguaggio. Non il messaggio.
Patricia Field e Molly Rogers, le costume designer dei due film, non hanno vestito i personaggi per farli sembrare “alla moda”, ma per raccontare le loro battaglie interiori, le loro ambizioni, le loro fragilità. Ogni cappotto di Miranda, ogni stivale di Andy, ogni cintura di Emily parla di potere, trasformazione e identità.
Nel sequel questo principio si amplifica: i personaggi che ritroviamo sono cambiati e il loro guardaroba ce lo dice prima ancora che aprano bocca: sono passati vent’anni e nessuno intende negarlo.
Perché Il Diavolo Veste Prada ha cambiato il modo in cui guardiamo la moda
Il primo film ha fatto qualcosa di rivoluzionario: ha mostrato al grande pubblico che la moda non è frivolezza. Il celebre monologo sul ceruleo, quello in cui Miranda demolisce l’arroganza di Andy convinta di essere “al di sopra di tutta quella roba”, è diventato un manifesto culturale.
Miranda ci spiega in poche parole, e con un linguaggio comprensibile anche ai non addetti ai lavori, il trickle-down effect: come le scelte fatte nelle passerelle si infiltrano nella vita di tutti, fino al maglione comprato in saldo da chi pensa di essere immune alla moda.
Ma il film ha fatto anche altro. Ha mostrato il costume design come strumento narrativo, non come mera decorazione al servizio della trama ma come parte fondamentale del racconto.
I vestiti di Andy non cambiano perché “diventa più carina”, cambiano perché lei cambia. E quando alla fine torna a un guardaroba più semplice, non sta rinunciando allo stile: sta scegliendo chi vuole essere.
Nel sequel, questa grammatica visiva si fa ancora più raffinata.
Cosa raccontano davvero i look dei personaggi (2006 vs oggi)
Lo stile non è mai solo “quello che ci mettiamo addosso”, ma è l’estensione visiva e tangibile di chi siamo davvero, di chi vorremmo diventare e di come vorremmo essere percepiti da chi ci circonda, sia in ambito personale che professionale.
Nei film, l’abbigliamento scelto per un personaggio è fondamentale per guidare la percezione dello spettatore, per suscitare in lui le emozioni che vogliamo indirizzi a quel personaggio.
Confrontando le due pellicole, ce ne rendiamo conto immediatamente.
Andy: diventare visibile (senza perdersi?)
Nel 2006, Andy arriva a Runway con maglioni informi e gonne a quadri, un’uniforme che sembra gridare “sono una persona seria che non si fa distrarre da queste sciocchezze”. Il suo rifiuto della moda é in realtà una dichiarazione: io sono superiore a tutto questo.
La trasformazione guidata da Nigel non é solo estetica. Gli stivali Chanel, le giacche a doppiopetto, le collane stratificate raccontavano un’altra storia: Andy sta imparando a essere vista, a occupare spazio e iniziava a giocare secondo le regole di quel mondo che inizialmente disprezzava.
La scelta di abbandonare Runway ma non del tutto il nuovo guardaroba che si é creata, dimostra la sua maturazione: non è più la ragazza sciatta che abbiamo conosciuto a inizio film, ora è una donna consapevole di sé e del mondo che la circonda.
Non ha rinunciato a ciò che ha imparato, ha scelto come usarlo.
Nel sequel ritroviamo una Andy completamente diversa.
Non più la ragazza che deve dimostrare qualcosa, ma una professionista che sa esattamente chi è. Il suo guardaroba parla di consapevolezza: blazer vintage di Margiela, capi Gabriela Hearst, accessori Coach d’archivio. È un lusso che non urla, ma sussurra: “so quello che faccio, non ho bisogno di convincerti”!
La differenza più significativa? Nel primo film Andy veste marchi per integrarsi, nel secondo li sceglie per esprimere sé stessa. È passata dall’emulazione all’autenticità.
Emily: essere all’altezza o essere sé stessa?
Emily Charlton nel primo film era l’incarnazione dell’ossessione: il suo guardaroba firmato, gli accessori vistosi, il trucco intenso ,… racconta una donna in perenne tensione che deve dimostrare ogni giorno di meritare il suo posto, e i vestiti diventano la sua armatura.
È chiaro l’intendo ti emulare Miranda, ma se questa adotta uno stile pulito, possiamo definire quello di Charlton “massimalista”. La prima non ha bisogno di essere vista, perché sa qual è il suo ruolo e il suo potere, mentre la seconda sta lottando per emergere e farsi vedere.
Nel sequel, Emily è completamente cambiata e il suo guardaroba lo dichiara.
Ora è a capo di un’azienda di lusso, e veste di conseguenza: tailleur gessati rivisitati di Gaultier, corsetti strutturati sotto camicie Dior,… non cerca più approvazione e i suoi abiti non gridano, ma si impongono senza chiedere il permesso.
Miranda: il potere è anche una questione di stile
Miranda Priestly è l’unico personaggio che non cambia e forse questo è proprio questo il punto.
Nel 2006 indossa Donna Karan, Prada, Valentino con una palette di neutri, neri e viola regali. Ogni abito era una dichiarazione di dominio, ogni cappotto (si, proprio quelli lanciati sulla scrivania di Andy) un esercizio di autorità.
La sua chioma bianca, scelta personale di Meryl Streep, non del copione, comunica lo stesso messaggio: non ho bisogno di conformarmi, anche se sono alla guida di un un’industria ossessionata dalla giovinezza. Anzi, forse è proprio per quello: i suoi capelli dimostrano il suo potere assoluto e il suo essere fuori dai canoni che lei stessa impone.
Nel sequel, Miranda deve fronteggiare un mondo che sta cambiando, e anche velocemente: l’editoria tradizionale traballa, il digitale avanza. Eppure il suo stile si evolve con sottigliezza, non con stravolgimenti: cappotti blu navy di Schiaparelli, completi monocromatici che trasudano quiet luxury,…
È lo stesso potere, declinato per un’epoca diversa. Miranda non rincorre le tendenze, ma le assorbe e le piega alla sua visione. Il suo guardaroba continua a dire: io stabilisco le regole.
Nigel: lo stile come linguaggio, non solo lavoro
Nigel è sempre stato il personaggio che meglio incarna l’idea di stile come espressione autentica.
Nel 2006, i suoi completi sobri ma creativi parlavo di un uomo che ha trovato il suo posto in un sistema competitivo senza perdere sé stesso. È mentore e guida, quello che sa navigare le acque della moda mantenendo integrità.
Nel sequel, Nigel mantiene la sua eleganza sartoriale ma con un’evoluzione interessante: toni più caldi, gilet abbinati a cravatte audaci, una morbidezza che suggerisce maturità senza rinuncia alla creatività. È coinvolto in una svolta creativa, un cambio di potere nell’industria e il suo guardaroba lo anticipa.
Nigel ci dimostra qualcosa di importante: puoi lavorare nella moda senza esserne divorato, puoi conoscere ogni regola ma sta a te scegliere quali seguire.
Il suo stile è sempre stato la prova che autenticità e professionalità non sono in conflitto.
Il significato dei colori: cosa comunicano davvero
Nel linguaggio visivo del Diavolo Veste Prada, i colori non sono mai casuali.
Quando lo stile ti spoilera il vero villain
Uno degli aspetti più intelligenti del primo Il Diavolo veste Prada è che il film gioca continuamente con le aspettative dello spettatore.
Ci suggerisce fin dall’inizio che il “diavolo” sia Miranda: fredda, esigente, impeccabile, avvolta in capi che trasformano ogni sua apparizione in una dichiarazione di potere. Eppure, se si guarda davvero ai codici visivi del film, il discorso si complica.
Nate, il fidanzato di Andy è il personaggio che dovrebbe rappresentare il mondo “normale”, autentico, lontano dalla superficialità della moda, ma è lui che viene vestito con look firmati Prada.
Non è un dettaglio casuale, ma una scelta sottilmente ironica.
In questo senso si smonta l’idea che il male stia tutto nella donna potente e ambiziosa e insinua il dubbio che il vero antagonista sia chi pretende autenticità dagli altri, chi giudica l’ambizione della donna che ha accanto, invece di sostenerla, chi si crede migliore di un sistema intero.
Miranda è dura, spietata, persino crudele a tratti, ma è trasparente, non finge di essere altro.
Il mondo di provenienza di Andy, invece, è pieno di persone che si dichiarano “al di sopra” della moda mentre ne sono già immersi, anche quando non lo ammettono: pronte a giudicare lei e le sue scelte, ma anche ad arraffare i regali che lei porta dall’ufficio.
Ed è proprio qui che lo stile diventa spoiler narrativo: ci dice chiaramente che il cattivo non è sempre, e solo, chi ha potere, ma anche chi esercita un giudizio morale sugli altri sentendosi innocente.
Forse è proprio questo il motivo per cui Il Diavolo veste Prada, contro le aspettative di molti,. È diventato un cult e un fenomeno culturale al punto da generare un’eccitazione globale alla sola idea del sequel.
Sotto la superficie scintillante non racconta abiti, ma identità, ambizione, empowerment femminile, trasformazione e appartenenza.
E ci ricorda una verità semplice: ciò che indossiamo non dice mai tutto di noi, ma spesso dice molto di ciò che stiamo attraversando, scegliendo o diventando.
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